Encyclopædia Britannica, Inc.
Louvre i Paris har en samling, der strækker sig fra gamle civilisationer til midten af det 19. århundrede. Museets historie kan spores helt tilbage til det 12. århundrede, da der blev bygget en fæstning på stedet for det nuværende museum; i 1546 bankede kong Francis I meget af det ned og begyndte at bygge en bolig, kendt som Louvre. Denne liste fremhæver kun 30 af Louvre hundreder af tusinder af kunstværker.
Tidligere versioner af beskrivelserne af disse malerier dukkede først op i 1001 Malerier, du skal se, før du dør , redigeret af Stephen Farthing (2018). Forfatternes navne vises i parentes.
Dette sarkofagportræt er fra Fayum-regionen og blev malet i den græsk-romerske periode. Ordet Fayum refererer til en meget frugtbar region sydvest for Kairo. Det var centreret omkring en kunstig sø, Qaroun-søen, et ambitiøst ingeniørprojekt fra det 12. dynasti, bygget i en naturlig dal. Befolkningen i Fayum-dalen kom fra Egypten, Grækenland, Syrien, Libyen og andre områder af det romerske imperium. De dyrkede afgrøder, herunder hvede og byg; fisken fra søen blev betragtet som en stor delikatesse i hele Egypten; og under styret af Amenemhet III (12. dynasti) blev området berømt for frodige haver og rigelige frugttræer. I dag er regionen kendt for antallet af papyrusdokumenter, der blev fundet i det 19. og 20. århundrede, samt for de mange Fayum-portrætter, der er afdækket af arkæologer. Disse portrætter i livsstørrelse blev tilsyneladende brugt til at dekorere hjem og blev brugt til begravelsesformål. Den encaustiske teknik involverede at smelte voks og blande det med pigmentering og måske linolie eller æg og derefter anvende det som maling på træ eller linned. Dette malede portræt ser overraskende moderne ud. Kvindens klare øjne og fremtrædende næse og kunstnerens omhyggelige skildring af smykkerne antyder, at dette blev malet for at være et genkendeligt portræt. Kunsthistorikere anerkender ofte Fayum-regionen for fødslen af realistiske portrætter, og de mange portrætter, der er afdækket i denne region, repræsenterer en tid med banebrydende kunstnerisk eksperimentering. (Lucinda Hawksley)
Giuseppe Arcimboldo var meget succesrig i løbet af sin levetid, men efter hans død gik hans arbejde hurtigt ud af mode, og interessen for det blev ikke genoplivet før i slutningen af det 19. århundrede. Stilistisk set passer hans fantastiske og fantasifulde malerier ind i den populære verden af maneristisk kunst. Domstolene overalt i Europa i det 16. århundrede favoriserede især denne type vittige og kloge illusionære malerier, og vidnesbyrd om dette var Arcimboldos langvarige opgave som maler til Habsburgs domstol mellem 1562 og 1587. Sommer indgår i serien Fire sæsoner at kunstneren malede til kejser Maximilian II i 1573. Dette var et emne, som Arcimboldo malede flere gange i løbet af sin karriere, og det var et, der blev ekstremt populært. Han malede først en række Fire sæsoner i 1562, og hans fantasifulde koncept om at skabe et hoved fra en samling af frugt og grøntsager blev modtaget med stor entusiasme. Arcimboldos pligter over for Maximilian var ikke begrænset til maleri - kunstneren blev også kaldt scenestesigner, arkitekt og ingeniør. Senere, mens han arbejdede for kejser Rudolph II, blev han også tiltalt for at finde antikviteter og sjældne objets d'art til kejserens samling. Arcimboldos malerier skaber en grundigt surrealistisk effekt, og de er bestemt blandt de mest fantasifulde og klogt konstruerede af hans tid. (Tamsin Pickeral)
Annibale Carracci blev født i Bologna-området, og sammen med sin bror og fætter blev han anerkendt som en af de førende malere på Bolognese-skolen. Han var en særlig dygtig tegner og lagde stor vægt på korrekt tegning og skildrede ofte scener fra livet og placerede dem i et imaginært eller idealiseret landskab. Temaerne jagt og fiskeri var populære til villaindretning i Bologna på dette tidspunkt. Fiskeri blev malet som ledsager til et andet værk af Carracci, Jagt . Baseret på deres dimensioner var begge sandsynligvis designet til at hænge over døråbninger i en husvilla. De to værker blev malet tidligt i Carracci's karriere, og inden han flyttede til Rom i 1584, men de viser allerede kunstnerens meget dygtige stil. I dette arbejde har han kombineret en række forskellige scener inden for et maleri og klogt udtænkt sin komposition, så øjet føres fra forgrunden til hver gruppe mennesker og i baggrunden uden at gå glip af detaljer. Tallene var sandsynligvis baseret på studier direkte fra naturen og derefter kombineret med landskabet. Dette maleri er spændende, fordi det viser Carracci udvikle sin brug af gestus set i den pegende figur til højre. Brugen af overbevisende og artikuleret gestus var en af Carracci's særlige færdigheder, som påvirkede senere malere i barokperioden. Også tydeligt er Carraccis overbevisende brug af landskab, som er smukt sammensat i et klart gennemskinneligt lys. (Tamsin Pickeral)
tryk ved havoverfladen i kpa
Giovanni Francesco Barbieri, med tilnavnet Il Guercino, blev født i fattigdom i den lille by Cento mellem Ferrara og Bologna i Italien. Han var stort set selvlært som kunstner. Han blev en af de førende malere på Bolognese-skolen og overtog Guido Renis travle studie efter hans død (ironisk, da beretninger viser, at Guercino blev betragtet med ambivalens af Reni). Guercinos stil ændrede sig ganske dramatisk i løbet af hans levetid, med værker som dette fra tidligt i hans karriere, der viste en meget barok tilgang med dramatisk brug af kontrasterende lys og mørke. Typisk for barokmalerier er kompositionen kompliceret og fuld af dramatisk gestus, energi og følelse. Figurerne er overfyldt i forgrunden, næsten som om en del af en frise, mens midten og baggrunden næsten er umærkelig. Denne teknik sætter seeren næsten i samme rumlige plan som figurerne i maleriet, hvilket fremkalder en kraftig følelsesmæssig reaktion. Begivenheden er, at den døde mand Lazarus blev rejst af Jesus. Guercino gennemsyrer scenen med en voldsom intensitet og en åndelig glød, der ville have været meget beundret i hans periode. Få år før dette maleri blev henrettet, havde Guercino mødt kunstneren Ludovico Carracci og blev inspireret af Carracci's håndtering af farve og følelser. Carraccis indflydelse kan ses i Guercinos Opdragelse af Lazarus , selvom dette arbejde er mere energisk i stil. En produktiv og efterspurgt kunstner, Guercino døde som en rig mand. (Tamsin Pickeral)
St.Joseph the Carpenter, olie på lærred af Georges de La Tour, c. 1645; i Louvre, Paris Giraudon / Art Resource, New York
Historien om liv og værker af Georges de La Tour er ujævn. Selvom han havde succes i sin egen levetid, blev La Tour glemt i flere århundreder - hans arbejde blev genopdaget i begyndelsen af det 20. århundrede. En fransk maler hævdes ofte, at han var påvirket af malerierne af Caravaggio . Det kan dog være, at La Tour ikke kendte Caravaggios arbejde, og at han uafhængigt udforskede virkningerne af skygge og lys, der blev kastet af et enkelt lys. La Tour var en troende romersk-katolsk og malede ofte religiøse scener. Han vendte flere gange tilbage til temaet om Mary Magdalenes anger såvel som maleri denne rørende scene af Josef undervise Jesus i tømrerbutikken. Stilen er realistisk, detaljeret og omhyggeligt planlagt - Jesus holder lyset, fordi han, i kristen tro, er verdens lys, der oplyser verdens mørke. (Lucinda Hawksley)
Få mennesker kunne undlade at blive fascineret af dette genrebillede af en åbenlyst handicappet tigger fra Napoli, der ser frækt på dem med et tandgrin. Den spanskfødte José de Ribera tilbragte det meste af sin karriere i Napoli, som derefter blev kontrolleret af Spanien, og blev byens førende kunstner. Han havde sandsynligvis bare til hensigt at portrættere en napolitansk tiggedreng, da han havde stor interesse for almindelige mennesker. Den måde, hvorpå han har blandet realisme med tradition, indvarslede imidlertid en ny retning i kunsten. Livet har ikke smilet til denne tigger, men han er muntert trodsig. Han bærer sin krykke kyndigt over skulderen og afslappet snarere end desperat frem papiret, der giver ham tilladelse til at tigge, hvilket var obligatorisk i Napoli på det tidspunkt. Den lyder på latin: Giv mig almisse for Guds kærlighed. I stedet for at blive vist hængende i en beskidt sidegade, står han højt op mod et roligt landskab, der minder om historiske, mytologiske og religiøse værker malet i klassisk stil. Ribera giver ham en imponerende statur, der gøres større af det lave synspunkt og en menneskelig værdighed. Hans tigger kunne næsten være en lille prins. Det løse børstearbejde bliver blødere i landskabet, hvilket får drengen til at skille sig endnu mere ud. Riberas evne til at formidle en følelse af folks individualitet med realisme og menneskehed havde stor indflydelse på vestlig kunst og især på den spanske skole. (Ann Kay)
Samuel van Hoogstraten var en dygtig maler af portrætter og interiører, der var optaget af den korrekte brug af perspektiv. Udsigt til et interiør , traditionelt kaldet Tøflerne , eksemplificerer kunstnerens karakteristiske brug af hollandske klinkegulve for at fremhæve billedets dybde. Dette understreges af de forskellige tilbagegående billedplaner markeret med billedets ramme, dørbeklædningerne og endelig de to billeder bag på maleriet. Ved at vise en del af den åbne dør i forgrunden placerer kunstneren tilskueren i døren, hvilket øger maleriets illusoriske effekt. Hoogstratens emne er hentydet til af de subtile detaljer. Den kasserede kost, hjemmetøfler og lukket bog (læsning er afbrudt) indikerer, at der er en amorøs forbindelseslinje lige uden for synet. Den mildt moraliserende tone i maleriet var en, som Hoogstraten vendte tilbage til flere gange. (Tamsin Pickeral)
I 1717 præsenterede Jean-Antoine Watteau Det her billede til det franske akademi som hans eksamensbevis. Det blev hyldet som hans fineste værk, og det blev en vigtig indflydelse på den nye rokokostil. Emnet startede som en illustration af et mindre stykke. I Florence Dancourt's De tre fætre , en pige klædt som en pilgrim træder ud fra korlinjen og opfordrer publikum til at slutte sig til hende på en rejse til Cythera - kærlighedens ø, hvor alle vil møde deres ideelle partner. Watteaus første version af temaet, dateret omkring 1709, var en meget bogstavelig skildring, men her har han undladt den teatralske ramme og har forvandlet hændelsen til en drømmende, romantisk fantasi. Det er vigtigt, at han har valgt at skildre slutningen snarere end begyndelsen på rejsen. Elskerne har parret og venet statuen af Venus til højre med blomster, og de er ved at vende hjem. Ved at fokusere på dette øjeblik var kunstneren i stand til at skabe luften af mild melankoli, der er så karakteristisk for hans arbejde. Mens de fleste par gør sig klar til at rejse, er to elskere forblevet ved gudindens helligdom, tryllebundet af kærlighed og blinde for alt andet. En af de afgående kvinder vender sig om og ser trist tilbage på dem, opmærksom på at denne del af kærligheden er den mest flygtige. Efter Watteaus død faldt hans kunst dramatisk ud af mode. For mange syntes hans skildringer af amorøse eskapader for tæt knyttet til monarkiets gamle dage. I løbet af den revolutionære periode brugte kunststuderende hans Cythera til måløvelse, at smide brødpiller på den. (Iain Zaczek)
Dette er et af de sidste malerier, som Jean-Antoine Watteau producerede i sin korte karriere. Det viser en klovn, der stirrer på sit publikum med et trist udtryk, der muligvis gentager kunstnerens melankolske stemning. Gilles var et generisk navn for en klovn i Frankrig, sandsynligvis stammer fra Gilles le Niais, en akrobat og komiker fra det 17. århundrede. På Watteaus tid var der betydelig overlapning mellem denne karakter og Pierrot, den førende klovn i commedia dell'arte, en italiensk teatertradition, der var meget populær i Frankrig. Begge figurer spillede den uskyldige fjols, der blev publikums favorit - en prototype for Charlie Chaplin og Buster Keaton. Dette maleri blev sandsynligvis produceret som et teatralskilt designet til at friste forbipasserende til et show. Det kan være oprettet til premieren på Danaë , en komedie, hvor en af karaktererne blev forvandlet til en røv. Alternativt kan det have annonceret parader —De korte, farsiske skitser før hovedforestillingen. I disse blev et æsel ofte ført hen over scenen for at symbolisere Gilles's dumhed. Watteau brugte en mindre version af denne klovn som hovedfigur i De italienske komikere , et billede, som han producerede til sin læge omkring 1720. I begge tilfælde minder Gilles dystre figur om en Se manden (Se manden) maleri. Dette populære religiøse tema skildrede en episode i Kristi lidenskab, da Pontius Pilatus præsenterede Jesus for folket i håb om, at de ville opfordre ham til at blive løsladt. I stedet krævede pøbelet hans korsfæstelse. (Iain Zaczek)
Paris-fødte Jean-Baptiste Siméon Chardin modstod sin fars, en møbelsnedkeres ønske om at følge i hans fodspor og blev i stedet lærling i studiet af Pierre-Jacques Cazes og Noel-Noël Coypel i 1719. I hele sit liv Chardin forblev et loyalt medlem af det franske akademi, men på trods af sin succes blev han forhindret i at blive professor, fordi han blev nomineret som maler inden for dyr og frugt. De tidlige stilleben, som han er bedst kendt for, blev afsluttet på kort tid og demonstrerede den hastighed, hvormed han erhvervede sin mesterlige teknik. Det anslås, at en fjerdedel af hans samlede produktion blev produceret inden 1732. Hans stil er kendetegnet ved en rigt struktureret pensel, der skyldte en betydelig gæld til hollandsk maleri, især Rembrandts indflydelse på håndteringen af maling. Dette adskiller hans arbejde fra den mere velkendte stil i det franske maleri fra det 18. århundrede. Chardin malede enkle hjemlige scener og velkendte husholdningsartikler. Imidlertid afslører mere vedvarende opmærksomhed en bevidst sammensætning og vigtigst af alt harmoniseringen af forskellige elementer gennem hans orkestrering af en subtil vifte af relaterede toner. Stilleben med en flaske oliven er typisk for hans tilbageholdende humør, bløde belysning og uhyggelige realisme, der giver hverdagens genstande og scener en magisk aura. Det er ingen overraskelse, at hans beundrere kaldte ham den store tryllekunstner. Hans talent lå i at producere malerier af perfekt fuldstændighed med upåvirket, men alligevel højeste teknisk dygtighed. (Roger Wilson)
Jean-Honoré Fragonard var en af de førende malere i rokokostil. Hans billeder var useriøse, men sensuelle og kendetegnede elegancen i det franske domstolsliv i årene op til revolutionen i 1789. For hans samtidige var Fragonard frem for alt kendt som en mester i lette motiver (lette motiver). Disse temaer var åbent erotiske, men blev håndteret med en smag og delikatesse, der gjorde dem acceptable, selv i kongelige kredse. Det taler faktisk meget om dagens mode, at dette billede ser ud til at være bestilt som ledsager til et religiøst maleri. Ifølge en tidlig kilde henvendte markisen de Véri sig til kunstneren og søgte et billede til at hænge sammen med et af Fragonards sjældne hengivne billeder - Hyrdenes tilbedelse . For moderne øjne kan dette virke som en underlig sidestilling, men Véri havde sandsynligvis til hensigt, at kombinationen skulle repræsentere hellig og profan kærlighed - et kunstnerisk tema, der havde været populært siden renæssancen. Normalt formidlede kunstnere denne idé i et enkelt billede, men nogle gange parrede de et maleri af Eve med et emne, der vedrørte Jomfru Maria (som ofte blev betragtet som den nye Eva). Her er æblet, som fremtrædende vises på bordet, en konventionel henvisning til Evas fristelse i Edens have. Bolten blev malet, da Rococo-stilen begyndte at gå ud af mode, men alligevel viser den dramatiske belysning og den høje grad af finish, at Fragonard var ved at tilpasse sig den neoklassiske stil, der kom på mode. (Iain Zaczek)
Jacques-Louis David er uden tvivl historiens mest ekstraordinære politiske propagandamaler. Hofmaler til Napoleon, meget af det, vi kender til kejserens mytiske persona og ikonografien for den franske revolution, kommer fra Davids teatralske, allegoriske malerier. David var far til den neoklassiske kunstbevægelse, der skildrede klassiske myter og historie som analoge med nutidens politik. Horatii ed fortæller historien, optaget omkring 59 fvt af den romerske historiker Livy, af sønner fra to familier, de tre Horatii-brødre og de tre Curiatii-brødre, der kæmpede i krigene mellem Rom og Alba omkring 669 fvt. Mændene kræves for at kæmpe, men en af kvinderne fra Curiatii-familien er gift med en af Horatii-brødrene, og en Horatii-søster er forlovet med en bror i Curiatii-familien. På trods af disse bånd opfordrer Horatii senior sine sønner til at bekæmpe Curiatii, og de adlyder, på trods af deres sorgsramte søsters klager. Ved at skildre det øjeblik, hvor mændene valgte politiske idealer over personlige motiver, beder David seerne om at betragte disse mænd som rollemodeller i deres egen politisk urolige tid. Som optaget af realisme i maleriet, som han var med idealisme i politik, rejste David til Rom for at kopiere arkitekturen fra livet. Resultatet blev en enorm succes, da maleriet blev udstillet i 1785 Salon i Paris. Davids malerier resonerer stadig stærkt med seerne, fordi styrken af hans dygtighed var fremtrædende nok til at artikulere hans stærke tro. (Ana Finel Honigman)
Dette anerkendes bredt som Jacques-Louis David fineste portræt . Med sin nåde, enkelhed og økonomi betragtes det også som et af de mest succesrige eksempler på neoklassisk kunst. Davids model, Juliette Récamier, var den elskede af det parisiske samfund. Hun var hustru til en velhavende bankmand fra Lyons, skønt hun modtog opmærksomheden fra en række andre mænd, som alle blev beskedent afvist. David hentede inspiration fra Récamiers dydige omdømme. Med sine bare fødder, hvid kjole og antikt tilbehør ligner hun en sidstnævnte vestal jomfru. Dette forstærkes af stillingen. Kvindens blik er ærligt og direkte, men hendes krop er vendt væk, utilgængelig. Portrætmødet kørte ikke glat: maleren blev irriteret af Juliette's vedvarende upunktualitet, mens hun protesterede mod nogle af de kunstneriske friheder, der blev taget. Især har hun ondt af, at David lyser hårets skygge, fordi det ikke passer til hans farveskema. Som et resultat bestilte hun endnu et portræt fra en af kunstnerens elever. Da han hørte om dette, nægtede David at fortsætte. Fru, det siges, at han har erklæret, at damer har deres caprices; det gør malere også. Tillad mig at tilfredsstille min. Jeg holder dit portræt i dets nuværende tilstand. Denne beslutning kan have været gavnlig, for billedets strenge sværhedsgrad giver det meget af dets indflydelse. Lampen og nogle af de andre detaljer siges at være malet af Davids studerende Jean-Auguste-Dominique Ingres . Sidstnævnte var bestemt imponeret over billedet, for han lånte Récamiers stilling til et af hans mest berømte værker, Den store Odalisque . (Iain Zaczek)
I 1801, efter at have studeret under Jacques-Louis David, den franske kunstner Jean-Auguste-Dominique Ingres vandt den prestigefyldte Prix de Rome. Dette var en pris tildelt af Frankrigs Academie Royale, der betalte for deres bedste kunstnere til at besøge Rom i fire år og studere de italienske mestre fra fortiden. Desværre havde staten ikke råd til at sende kunstnere til Italien på dette tidspunkt på grund af Frankrigs svigtende økonomi. Ingres gik til sidst til Rom i 1808. Baderen var et af Ingres første malerier, der blev udført i Italien, og selvom kunstneren var omgivet af århundreder med vigtig renæssancekunst, bryder den med tradition. I stedet for at afsløre hans motivs identitet, har Ingres præsenteret sit næsten monumentale motiv vendt væk fra seeren med sin torso snoet let for at åbne hendes ryg. Dette gør det muligt for seeren at beundre (og objektificere) bademanden uden at hun udfordrer os - hun forbliver anonym, ubestemt, hendes karakter er uudslettelig. Ingres senere værker af kvindelige nøgenbilleder antog ofte mere frontal udgør. Det er interessant at bemærke, at Ingres begrænsede palet af grønne, cremer og brune skifter fra de mørke toner på gardinet til venstre til de lyse toner i baggrunden og sengebetræk til højre. Denne gradering af tone kan ses som en ekko af den symbolske karakter af badning, en handling, der renser og renser ens sjæl: Når sidderen bevæger sig væk fra badet, bliver hun hvidere og derfor mere ren. (William Davies)
Theodore Gericault: Flåden af Medusa Flåden af Medusa , olie på lærred af Théodore Géricault, 1819; i Louvre, Paris. Billedkunst-billeder - Heritage Images / age fotostock
Få mennesker kunne se på dette maleri og ikke blive overvældet af dets lidenskab og magt. Malet af den franske romantiker, Théodore Géricault, og ses nu som den definerende erklæring fra den bevægelse. Romantikerne brød væk fra klassisk kunst fra det 18. århundrede for at understrege realisme og følelser. Dette maleri er især interessant, fordi det så klart bygger bro mellem klassicisme og romantik. Hvornår Flåden af Medusa dukkede op på Salon-udstillingen i 1819, forårsagede den en stor skandale, der forfærdede etableringen. Scenen fortæller den sande historie om den skibbrudne franske regeringsfregat En vandmand , hvis inkompetente kaptajn og officerer tog de eneste redningsbåde til sig selv og efterlod alle undtagen 15 af 150 besætningsmedlemmer og passagerer til at omkomme på en midlertidig tømmerflåde, synke ned i fortvivlelse, vildskab og kannibalisme. Géricault turde vise en sord, foruroligende episode fra nutidens historie (vraget fandt sted i 1816), der reflekterede dårligt over for alle involverede på en måde, der lignede de enorme heroiske historiemalerier, der var meget elsket af traditionister. På den ene side er der et makabert niveau af realisme her (Géricault studerede lig for at få detaljerne rigtige) med ekstraordinært energisk børstearbejde, der øger den hvirvlende bevægelse og følelser. På den anden side er organerne og den pyramideformede komposition klassisk i stil. På trods af forargelsen vandt billedet kunstnerisk godkendelse af Géricault, og det havde en enorm indflydelse på andre kunstnere, især Eugène Delacroix . (Ann Kay)
Ofte siges at være den største af de franske romantikere, Eugène Delacroix var virkelig en maler af sin tid. Ligesom sin ven Théodore Géricault bevarede Delacroix visse klassiske elementer fra sin tidlige træning, men viste en dristig energi, en rig, individualistisk brug af farve og en kærlighed til det eksotiske, der gjorde ham til en banebrydende. Det massive lærred Sardanapalus død eksploderer på sanserne med vild bevægelse og overdådig farve, en orgie af overbærende eksotisme. Sardanapalus var en assyrisk hersker over den gamle legende med smag for ekstrem dekadens. Som svar på skammen over et større militært nederlag lavede Sardanapalus en enorm bål, hvorpå han brændte sig ihjel sammen med alle sine paladsskatte, elskerinder og slaver. Delacroix glædede sig over et sådant Byronic-drama. Han ser ud til at have forladt ethvert forsøg på realistisk perspektiv eller kompositionskohærens. Forvrængede kroppe og genstande hvirvler rundt i en mareridtverden kvalt med intens farve og varm indadgående skygge. Det detaljerede maleri af glitrende juveler og rige stoffer formidler tydeligt den ekstravagante verden, der afbildes, mens den kølige løsrivelse, som Sardanapalus overvåger kaoset omkring ham, rammer en uhyggelig stemning. Delacroix eksperimenterer med grå og blå toner på menneskelig hud for at give form til hans ukonventionelle modellering af kroppe. Det er let at se, hvordan den uhæmmede udforskning af vold sammen med den hektiske energi og dristige farveteknikker talte bind til senere kunstnere. (Ann Kay)
Til den tid Homer deified blev malet, Jean-Auguste-Dominique Ingres var en selvudråbt leder af traditionelt, klassisk maleri, der satte sig imod fransk romantikers oprigtige kunst som f.eks Eugène Delacroix . Dette maleri kunne næppe være et bedre eksempel på Ingres 'akademiske tilgang, og faktisk mente han det som en salme af ros til klassicismen. Selvom han havde en mere sensuel side (for eksempel hans Baderen ), det er blevet fuldstændig undertrykt her. Også kendt som Apotheosen fra Homer , dette arbejde viser det antikke Grækenlands berømte digter som en gud, der er kronet med laurbær af den mytologiske figur Victory. To kvinder ved hans fødder repræsenterer Homers store episke værker, Iliaden og Odysseen . Omkring ham klynger en tilbedende skare af kunstneriske giganter fra oldtiden og moderne tid, inklusive grækere: dramatikeren Aeschylus tilbyder et pergament til venstre for Homer, mens den athenske billedhugger Phidias holder en hammer frem til højre. De mere moderne figurer er domineret af kunstnere fra Frankrigs klassiske periode fra det 17. århundrede, såsom dramatikeren Molière og maleren Nicolas Poussin. Den trekantede, symmetriske komposition udstråler klassisk idealisme, med Homer placeret centralt mod et antikt tempel, der bærer hans navn. Dette maleri blev dårligt modtaget på tidspunktet for dets oprettelse. Ingres trak sig tilbage til Rom i et par år, men han vendte tilbage i 1840'erne for at blive anerkendt som en førende klassiker. Det blev moderigtigt at forbande Ingres 'traditionalisme, men han ses nu som en meget indflydelsesrig kunstner med betydelig teknisk dygtighed. (Ann Kay)
Eugène Delacroix: Frihed, der fører folket Frihed, der fører folket , olie på lærred af Eugène Delacroix, 1830; i Louvre, Paris. Josse Christophel / Alamy
Dette arbejde tilhører perioden mellem 1827 og 1832, hvorunder Eugène Delacroix produceret det ene mesterværk efter det andet. Dette er ingen undtagelse. Malet til minde om revolutionen i juli 1830, der bragte Louis-Philippe til magten, er billedet kommet til at symbolisere ånden i revolutionen. Det forårsagede en fornemmelse på Paris Salon i 1831, og selvom Louis-Philippe købte værket for at markere hans tiltrædelse, holdt han det væk fra offentlighedens synspunkt, fordi det blev anset for at være potentielt inflammatorisk. Billedet kombinerer klogt nutidig reportage med allegori på en monumental måde. Sted og tid er tydelig: Notre Dame er synlig i det fjerne, og folk er klædt i henhold til deres klasse, med den usle dreng til højre, der symboliserer almindelige menneskers magt. Den allegoriske figur af Liberty, der bestrider scenen, tricolor hævet over hende, forårsagede skandale, for i stedet for at personificere idealiseret skønhed viser det pulserende børstearbejde en meget ægte kvinde - halvnøgen, beskidt og træder over ligene på en måde, der kan antyde, hvordan frihed kunne medføre en vis undertrykkelse af sin egen. Dette maleri viser også, at Delacroix vender sig mod den mere afdæmpede tilgang i sit senere arbejde, hvor han gjorde mere og mere subtile strejker i måder, hvorpå farver arbejdede ved siden af hinanden for at formidle en følelse af virkelighed eller udtrykke sandheder. Sådan brug af farve ville være enormt indflydelsesrig blandt de impressionister og modernister, der kommer fra Pierre-Auguste Renoir og Georges Seurat til Pablo Picasso. (Ann Kay)
Søn af en succesrig væverhandler, Patrick Allan-Fraser afviste muligheden for at følge sin far ind i en kommerciel karriere til fordel for at forfølge hans kunstneriske tilbøjeligheder. Undersøgelser førte Allan-Fraser til Edinburgh, Rom, London og endelig Paris, hvor han stødte på den storslåede Grande Galerie inden for Louvre. Når du maler Udsigt over Grande Galerie of the Louvre , tog kunstneren sin inspiration fra en gruppe victorianske kunstnere kendt som The Clique, som han havde stødt på i London. Klikken afviste akademisk høj kunst til fordel for genermaleri. Den tilsyneladende uendelige Grande Galerie, der strakte sig en kvart kilometer, var et sted, hvor kunstnere og håndværkere ofte samledes, men alligevel møder vi en rolig atmosfære af påskønnelse og refleksion. I senere år ville Allan-Fraser fordybe sig i restaurering og opførelse af fine bygninger, og hans beundring for Grande Galerie var altafgørende, når han foretog dette. De sporadiske lysstråler giver ikke kun seeren mulighed for at se på aktiviteten indeni, men afslører også salens størrelse og elegance. Allan-Fraser blev valgt til Royal Scottish Academy i 1874, og han bestilte portrætter af medlemmer af The Clique i respekt for dem, der havde inspireret ham. (Simon Gray)
Souvenir af Mortefontaine , olie på lærred af Camille Corot, 1864; i Louvre, Paris. Lauros — Giraudon / Art Resource, New York
Camille Corot begyndte sin karriere som draper, inden han besluttede at forfølge kunstnerisk træning. Med sin fars opbakning studerede han først hos Achille Etna Michallon og derefter hos Jean-Victor Bertin, skønt Corot senere benægtede, at hans uddannelse havde påvirket hans kunst. Han rejste bredt gennem hele sit liv, tilbragte flere år i Italien, udforskede Schweiz og dækkede meget af det franske landskab. På sine ture lavede han adskillige olieskitser og udendørs malerier, der fangede umiddelbarheden af lys og atmosfære; han arbejdede også på udstillingsmalerier i studiet. Souvenir af Mortefontaine er et af de bedste malerier fra hans sene karriere. Det er badet i et blødt, diffust lys, og det er et værk af fuldstændig ro, indbegrebet af en lyrisk og poetisk assimilering af kunstnerens verden. Scenen er ikke taget fra naturen, men den kombinerer nøgleelementer i den naturlige ramme for at skabe det perfekte, harmoniske billede. Det yndefulde træ i forgrunden, udstrækningen af stille vand bagved og stille figurer udvalgt i blød farve var motiver, der ofte blev brugt af kunstneren til at gengive et værk med smuk, stille refleksion. Corots stil udviklede sig først i retning af realisterne og udviklede sig til at omfatte en drømmende, romantisk opfattelse. Som sådan kan hans arbejde betragtes som noget af en bro mellem realisterne og impressionisterne, og faktisk omtales han ofte som far til impressionismen. Især dette maleri ser ud til at have haft indflydelse Claude Monet 'S udsigt over Seinen i det tidlige morgenlys malet i 1890'erne. (Tamsin Pickeral)
Landene i Catalonien, der var centreret om byen Barcelona, oplevede en stor gylden kunstalder i 1400'erne, og i spidsen for denne vækkelse var Jaume Huguet. Huguet er berømt for fantastiske altertavler, der kendetegner den smukt dekorative religiøse kunst produceret af den catalanske skole på dette tidspunkt. I centrum af denne altertavle , Bliver Kristus slået inden han modtog en dødsdom ved korsfæstelse. Manden, der afsagde dommen - den romerske guvernør i Judæa, Pontius Pilatus - sidder på en stor trone til højre. Huguets image er fyldt med smukke farver og sprængfyldt med fine detaljer, fra gulvfliser til Pilates trone og tøj. Der er en velkonstrueret symmetri i kompositionen: Kristi centrale position, flankeret af to mænd, der leverer julen og to små engle ved hans fødder, de tilbagegående gulvfliser, buerækken bag Kristus og den fjerne udsigt over et landskab med jævnt store toppe. Hele effekten er meget dekorativ, næsten som et stykke gobelin. Dette stykke blev bestilt af skomagergilde til Saint-Marc-kapellet i Barcelona-katedralen, hvorfor sko vises i den dekorative kant. Grænserne indeholder også billeder af en ørn, en løve, en engel og en okse - symboler på henholdsvis evangelisterne St. John, St. Mark, St. Matthew og St. Luke. Huguets arbejde er stort set i form af catalanske mestre fra det 15. århundrede som Bernardo Martorell, og hans personlige stil var med til at definere den catalanske stil. (Ann Kay)
Domenico Ghirlandaio var en florentinsk kunstner kendt for sine fresker og portrætter. Gammel mand med en ung dreng er hans mest anerkendte image. En tegning på Nationalmuseet i Stockholm viser, at Ghirlandaio foretog undersøgelser af den gamle mand, inklusive hudfejl på hans næse. Manden menes at have lidt af den vanærende tilstand rhinophyma som følge af acne rosacea. Men portrætets realisme er usædvanligt for sin tid. Ghirlandaios optagelse af denne mangel menes at have påvirket senere kunstnere, såsom Leonardo Da Vinci , at male deres motiver, som de var. Seeren er bestemt berørt af denne scene. Den gamle mands aldrende ansigt står i kontrast til barnets bløde, unge hud. Når barnets hånd når op til den gamle mand, møder deres øjne i en åben kærlighed. De varme røde understreger dette kærlige bånd. (Mary Cooch)
hvilke etager ramte flyene den 911
Lucas van Leydens primære berømmelse hviler på hans ekstraordinære færdigheder som gravør, men han var også en dygtig maler, der krediteres for at være en af de første, der introducerede nederlandsk genre-maleri. Født i Leiden, hvor han tilbragte det meste af sit liv, menes han at have trænet med sin far og senere med Cornelis Engebrechtsz. Han rejste til Antwerpen i 1521, hvor han mødtes Albrecht Dürer , der optog denne begivenhed i sin dagbog. Dürer's arbejde ser ud til at have haft mest indflydelse på ham, selvom van Leyden henvendte sig til sine undersåtter med en større animation og koncentrerede sig mere om karakteren af individuelle figurer. Fortune Teller, som er en hentydning til forfængelighed af kærlighed og spil, blev malet tidligt i van Leydens karriere, men viser allerede sin tegnekunst og dygtighed som farvelægger. Det er en undersøgelse af karakter, hvor hvert individ er portrætteret med en livlig følsomhed. Den mørkt skægede mand i baggrunden er særligt fængslende med sin gennemtrængende stirring og uhyggelige ansigt, der står i kontrast til spådomens blege figur. Billedoverfladen er rigt mønstret, og de forskellige strukturer, fra pels og silke til glas og kød, er fremragende gengivet. At skubbe kompositionen til fronten af billedplanet har den virkning, at seeren placeres blandt de andre figurer. Van Leyden var berømt i løbet af sin levetid, og selvom han ikke havde nogen direkte elever, var hans indflydelse dyb på udviklingen af hollandsk kunst og banede vejen for den hollandske tradition for genmaleri. Hans arbejde menes også at have haft en effekt på Rembrandt. (Tamsin Pickeral)
Født Giulio Pippi blev kunstneren af dette maleri senere kendt som Giulio Romano efter byen for hans fødsel. I en ung alder gik han for at studere med Raphael blev efterfølgende hans chefassistent, og ved Raphaels død afsluttede han en række af kunstnerens værker. Romanos pulserende palet og dristige figurative stil var i modsætning til hans lærers subtilitet, men med hensyn til ren fantasi og dramatisk illusionær effekt opnået gennem manipulation af perspektiv var Romano førende inden for sit felt. Bortset fra hans maleriske præstationer var kunstneren også arkitekt og ingeniør. Omkring 1524 var Romano ansat af Frederico Gonzaga, hersker over Mantua, og påbegyndte et massivt projekt, der designede og genopbyggede nogle af byens bygninger samt en række dekorative ordninger. Triumf af Titus og Vespasia blev bestilt af Gonzaga til værelset for kejserne i Palazzo Ducale. Det skildrer kejseren Titus, der paraderer gennem Rom efter en sejr over jøderne. Kompositionen er baseret på en scene på indersiden af den antikke Titusbue i Rom, og den bevarer meget af originalens skulpturelle kvalitet, især i Romanos stride stridsheste. De strålende farver og det klassiske tema, der er gengivet i Romanos maneristiske hånd, gjorde dette arbejde meget populært i sin tid. Hans behandling af landskabet - som er smukt detaljeret og badet i et skinnende gennemskinneligt lys - er særlig opmærksom. (Tamsin Pickeral)
Leonardo Da Vinci blev i lære hos mesterskulptøren Andrea del Verrocchio, hvorefter han arbejdede for nogle af de rigeste lånere i Frankrig og Italien, herunder Sforza-familien i Milano, kongen af Frankrig og Vatikanet i Rom. Havde Verrocchio ikke skiftet til maleri for at konkurrere med sine rivaler på det tidspunkt, hvor Leonardo var i hans værksted, mener nogle forskere, at det kan tænkes, at Leonardo ikke nødvendigvis nogensinde ville have løftet en børste. Selvom hans liv og værker er uhyre vigtige for kunsthistorien, er der i dag ca. 20 malerier, der er sikkert tilskrevet i hans værk. Jomfruen, hendes mor Anne og spædbarnet Jesus, emnet for dette maleri , er sammen et af Leonardos mest populære temaer, hvilket fremgår af flere tegninger og malerier. Disse inkluderer en mistet tegneserie fra 1501 og Jomfruen og barnet med St. Anne og Johannes Døberen (ca. 1508, kendt som Burlington House Cartoon); man kan antage, at sidstnævnte tegneserie var beregnet til udvikling til et stort fuldt malet værk, men der er intet bevis for, at et sådant maleri nogensinde blev forsøgt. Her hviler dog Jomfru Maria på skødet af St. Anne, mens Kristusbarnet på en legende måde smider et ungt offerlam, en forestillet udførelsesform for spædbarnets skæbne. En tegning i lille skala til pen og blæk til Jomfruen og barnet med St. Anne findes i samlingen af Accademia, Venedig. De uformelle stillinger og det ømme psykologiske engagement mellem sidderne udgør et rekordhøjt niveau i religiøst maleri. (Steven Pulimood)
I hvad der er blevet en af Antonello da Messina mest berømte malerier , viser kunstneren en militærleder i Italien, kendt som kondottiere. (Mandens sande identitet er imidlertid ukendt.) Indtil det 19. århundrede bestod Italien af et sæt uafhængige bystater, og condottieri var i høj efterspørgsel efter at kæmpe i kampe mellem modstridende stater. Antonello interesserer sig for at vise rang af sin sitter: han sidder foran en sort baggrund i grundlæggende tøj og hovedbeklædning med god kropsholdning og hæver dermed sin status over en simpel kriger. Faktisk havde Antonellos emne sandsynligvis rigdom til at give en titel tættere på en gentleman, og han ville have bestilt dette portræt for at understrege hans sociale status. Antonello minder imidlertid seeren om, at denne mand er en hensynsløs kriger. En nærmere inspektion af Leder afslører detaljer som krigsåret på sidders overlæbe. (William Davies)
Leonardo Da Vinci: Mona Lisa Mona Lisa , olie på træpanel af Leonardo da Vinci, ca. 1503-19; i Louvre, Paris. Everett-Art / Shutterstock.com
Leonardo Da Vinci begyndte livet som den uægte søn af en toscansk notar, og han blev uden tvivl verdens mest diskuterede maler. Uendelig fascination fra både lærde og offentligheden fulgte næsten fra den dag, han begyndte at skrive og male. Han var også en mand med mangler og begrænsninger. Han blev født i den toscanske bjergskråningsby Anchiano nær Vinci, og han flyttede tidligt til Firenze for at træne som lærling til Andrea del Verrocchio, en berømt billedhugger. Fra de tidlige lektioner fik Leonardo en dyb forståelse af det tredimensionelle rum, et koncept, der tjente ham godt gennem hele sin karriere, hvad enten han malede eller tegner indviklede planter eller dele af menneskekroppen, krigsmaskiner eller offentlige vandværker, matematisk geometri eller lokal geologi. Navnet på dette maleri , som først blev brugt i det 19. århundrede, stammer fra en tidlig beretning af Giorgio Vasari, som også giver den eneste identifikation af sidderen. Mona Lisa, også kendt som Lisa Gherardini, blev malet i midten af 20'erne, efter at hun blev gift med en silkehandler ved navn Francesco del Giocondo, den mand, der måske har bestilt portrættet. Den dag i dag kender italienerne hende som Mona Lisa og fransk som Mona Lisa , der bogstaveligt talt oversættes som jocund (eller legende). I nyere historie kan maleriets berømmelse også delvis stamme fra det faktum, at det blev stjålet fra Louvre i Paris i en sensationel heist i 1911 af en italiensk nationalist, men heldigvis blev returneret to år senere. (Steven Pulimood)
[Vil du vide mere om, hvorfor Mona Lisa er så berømt? Læs dette afmystificeret af Britannica.]
I 1518 indkaldte Frans I af Frankrig den florentinske maler Andrea del Sarto til sin franske domstol, hvor den italienske kunstner boede i et år. Velgørenhed er det eneste overlevende maleri fra hans franske ophold; det blev malet til Château d'Amboise. Værket er typisk for de malerier, der er begunstiget af den franske royalty på dette tidspunkt. Det viser figuren af velgørenhed omgivet af børn, som hun plejer og beskytter. Det var en allegorisk repræsentation af den franske kongefamilie, og den fejrede fødslen af Dauphin, som er symboliseret ved den diende baby, mens Charity figur ligner dronningen. Sammensætningens pyramidestruktur er typisk for den traditionelle form for denne type maleri, og det afspejler også indflydelsen fra Leonardo Da Vinci på Andrea del Sarto. Især kunstneren beundrede Leonardos Jomfruen og barnet med St. Anne . (Tamsin Pickeral)
Bernardo Martorell arbejdede i Barcelona og blev sandsynligvis undervist af Luis Borrassá, den mest produktive catalanske maler af tiden. Kun ét overlevende værk tilskrives bestemt Martorell - den Alter af St. Peter af Pubol (1437), som er på museet i Gerona, Italien. Men den St. George's alterstykke er så markant i Martorells stil, at de fleste eksperter mener, at han var kunstneren. Altertavlen blev oprettet til St. George-kapellet i Barcelonas palads. Det består af et centralt panel, der viser St. George dræbe dragen , som nu er anbragt i Art Institute of Chicago og fire sidepaneler, som er i Louvre i Frankrig. Dette sidepanel udgør den sidste del af fortællingen, og den skildrer St. Georges martyrium. Legenden om St. George ser ud til at stamme i skrifter af Eusebius fra Cæsarea, dateret til det fjerde århundrede e.Kr. Han blev anset for at have været en romersk soldat af ædel fødsel, der blev dræbt i 303 e.Kr. for at protestere mod forfølgelsen af kristne. Han blev kanoniseret i det 10. århundrede og blev skytshelgen for soldater. Legenden om St. George var udbredt i hele Europa i middelalderen, og selvom historien om helgenen, der dræbte en drage, virker mere mytologisk end mirakuløs, fortælles den om i mange middelalderlige malerier. I denne sidste scene fra legenden, da St. George halshugges, falder lyn fra en brændende rød og guld himmel. Stilen kan være international gotisk, men de forfærdede ansigter, opdræt af heste, tumlende kroppe og eksperthåndtering af lys tilhører Martorell. (Mary Cooch)
